Los inicios

En The Bends, el anterior disco de Radiohead, la banda había trabajado con Nigel Godrich, un ingeniero de sonido que se decidió a producir el que sería el siguiente trabajo de la banda. Con solo el tema “Lucky” grabado, Radiohead volvieron a ensayar y componer nuevas canciones. En esta misma época, Baz Luhrmann comisionó a la banda para escribir música para la que sería su siguiente película: Romeo + Juliet. Radiohead escribieron Exit Music (For A Film), que aparece en los títulos de crédito del filme y es el cuarto tema de OK Computer.

Radiohead grabaron gran parte de su tercer álbum en una mansión semiabandonada. La producción del disco a cargo de Godrich destaca por el uso de elementos como la reverberación y la no separación de pistas de audio de los distintos instrumentos. Además, mucho contenido del disco fue grabado en directo.

El 21 mayo de 1997, OK Computer vio la luz del sol por primera vez en Japón. La discográfica EMI (Radiohead trabajaba con dos subsidiarias) predijo que este disco sería un desastre comercial, aunque siguieron publicitando el álbum de maneras poco convencionales. Un ejemplo son unos disqueres de promoción que incluía fondos de pantalla. Radiohead también crearon una web propia, algo inusual en la época.

El álbum

OK Computer tuvo cuatro singles: Paranoid Android, Karma Police, Lucky y No Surprises. La idea del grupo era crear un videoclip para cada canción, pero no consiguieron el presupuesto suficiente. Let Down había sido elegido como el siguiente single, pero la producción del videoclip no fue posible.

Si bien es cierto que OK Computer no se considera un disco conceptual, sí parece diseñado para ser escuchado en un orden concreto. El humor del disco es ciertamente crítico hacia un presente falto de humanidad y la soledad del hombre moderno frente a la sociedad. En declaraciones a la prensa, Thom Yorke se mostraba abiertamente escéptico con el futuro gobierno de Tony Blair (no habría que esperar mucho para comprobar que no le faltaba razón).

¿Qué pasó después?

Radiohead presentaron en disco en una amplia gira que fue parcialmente reflejada en el documental Meeting People Is Easy, en el que se puede observar el cansacio, presión y obligaciones a los que una banda de música con éxito está sometida.

Ante un futuro distópico que se podría considerar nuestro presente, OK Computer suena tan novedoso como en su salida hace 25 años. Si bien muchas bandas se inspiraron en el trabajo anterior de Radiohead, es imposible decir lo mismo sobre OK Computer, un disco de rock alternativo tan único que es imposible de imitar.

Lee nuestra Revieja de Amnesiac, quinto álbum de estudio de Radiohead.

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Tras «Bryter Layter» (1971), Nick Drake, no contento con el sonido de ese disco, busca distanciarse de él y decide no utilizar músicos de sesión para su siguiente disco. Solo su voz, su guitarra y un breve piano para interpretar algunas de las canciones más intimistas de su corta carrera.

El resultado llega con Pink Moon, un disco de menos de media hora compuesto en su totalidad por Drake. El joven músico introduce el disco con la canción homónima del disco. «Pink Moon» habla de un acontecimiento, una Luna Rosa de la que no se puede escapar. La letra enigmática nos introduce a un disco poético. En la siguiente canción “Place to Be”, Drake mira atrás en su vida con nostalgia. Se nutre de metáforas para demostrar la tristeza y soledad en contraste con un pasado más esperanzador.

En «Road«, Nick Drake se compara con alguien toma un camino más brillante, mientras él sigue su propio camino. El Sol, la Luna y las estrellas le sirven a Drake como símbolos. Él no toma la senda de las estrellas, que podrían simbolizar músicos exitosos. Nick Drake huía de la imagen de músico tradicional y apenas actuaba en directo. Además, sus discos tampoco tuvieron mucho éxito en vida. Drake rescata las estrellas para «Which Will«, donde se dirige a un interlocutor al que pregunta si le elegirá a él entre otros músicos.

El quinto tema “Horn” es un breve instrumental de guitarra acústica que da paso a “Things Behind The Sun”, una canción que vuelve a la imaginería del Sol para reflejar la soledad del compositor y los efectos que la depresión tiene en una persona. “And the people around your head/Who say everything’s been said/And the movement in your brain/Sends you out into the rain”.

“Know” es una canción corta y con solo cuatro versos ambiguos. Nick Drake, al igual que otros artistas como Elliott Smith, tienen en ocasiones letras de difícil comprensión o que dan lugar a distintos significados. Sin embargo, “Parasite” es una de las canciones más directas y duras del disco. En ella, Nick Drake se refiere a sí mismo como a un parásito que deambula desapercibido por la ciudad.

En “Free Ride” se continúa con el sentimiento de parásito. Drake se dirige a seres queridos a los que les pide ayuda. Le sigue “Harvest Breed”, en la que a través de la metáfora de la polinización, Drake canta sobre personas que encuentran pareja y otras que no y terminan quedándose solas.

Nick Drake se despide con “From the Morning”, una alabanza a la naturaleza esperanzadora. El cantautor decide cerrar el disco con un mensaje positivo a pesar de la pena de muchas de sus canciones. “Now we rise/And we are everywhere” reza el epitafio de Drake.

Desgraciadamente, Drake falleció dos años más tarde sin haber publicado nada más. Tras el relativo fracaso de ventas que fue Pink Moon, el sueño de Nick Drake de dedicarse a la música se veía cada vez más lejos. Su depresión empeoró y estaba altamente medicado, lo que le llevó a una sobredosis de antidepresivos que acabó con su vida.

Décadas después, la música de Nick Drake se escucha en todo el mundo. Su influencia en artistas como The Cure (que obtuvieron su nombre de “Time Has Told Me”) y Sufjan Stevens es evidente. Pink Moon es para muchos un clásico de la música folk. Nick Drake fue un adelantado a su época, un incomprendido que consiguió que un disco de hace 50 años suene tan actual como el día de su lanzamiento.

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El título del disco “Either/Or” es una alusión a un escrito existencialista de Kierkegaard. ¿Son las canciones de este álbum existencialistas? Se podría decir que exploran la condición humana desde los ojos de Steven Paul Smith. El lirismo del compositor alcanza uno de sus mejores momentos en las canciones de este disco. En cuanto al sonido, destaca el equilibrio entre la producción del estudio y el Lo-Fi por el que Smith era conocido y terminó dejando un poco de lado en siguientes lanzamientos.

Either/Or, tema a tema

El álbum comienza con “Speed Trials”, un opening que resume el disco de manera tonal. Al mezclar acordes mayores y menores, se crea una ambigüedad: ¿es esta canción triste o feliz? “It’s just a brief smile crossing your face”, una sonrisa breve, seguida de “I’m running speed trials standing in place”. Una pura paradoja.

Le sigue “Alameda”, una canción que evoca un paseo por una calle de Portland mientras el narrador habla de sí mismo en tercera persona. “Nobody broke your heart/You broke your own because you can’t finish what you start”, repite Smith como un disco rayado. Igual que los pensamientos intrusivos.

Portland, el lugar donde todo sucede

En la mayoría de las canciones de Either/Or, Smith nos sitúa en sitios concretos conocidos por él. Portland es la ciudad donde el cantautor vivió desde su adolescencia hasta mudarse a Los Angeles. En el caso de “Ballad of Big Nothing«, un desfile se introduce con “Throwing candy out to the crowd Dragging down the main”. En los versos siguientes están dedicados al personaje al que se dirige la canción: un drogadicto. La “gran nada” es una excusa del adicto para creerse que nada importa. Smith toma otra vez el puesto de narrador, aunque su adicción a las drogas marcó gran parte de su producción, también de manera lírica.

Sin ir más lejos, “Between the Bars” expresa el poder de la adicción, que se personifica y lleva al protagonista de la canción a caer en una espiral con la bebida. Este tema es el más popular del disco. Existen múltiples versiones de Between the Bars, una de ellas en La piel que habito, film de Pedro Almodóvar.

En “Pictures of Me”, Smith critica la visión que la gente que realmente no le conoce tiene de él. “Saw you and me on the coin-op TV/Frozen in fear every time we appear”. Le sigue “No Name No. 5”, una canción intimista sobre la soledad. El título continúa la tradición de nombrar canciones en el disco Roman Candle.

El tema de la falsedad ya había rondado alguna canción posterior, pero es en “Rose Parade” donde Smith canta directamente sobre ella a través de otro (¿o el mismo?) desfile, el Rose Parade celebrado en Portland. También situada en Portland, “Punch and Judy” trata sobre dos personalidades en conflicto constante.

Hola, Los Angeles

Seguidamente, la crítica hacia la industria musical viene reflejada en “Angeles”, nombrada por la ciudad californiana. El tema, que rezuma sarcasmo, es un presagio, ya que poco después de la salida de Either/Or Smith firmaría por una gran discográfica: DreamWorks Records, una subsidiaria de la distribuidora de películas como Shrek.

“Cupid’s Trick” es quizá la canción más sexual de toda la carrera de Elliott Smith. Repetitiva y ambigua, da paso a “2:45 AM”, un tema duro en el que se relata una pelea de Smith con familiares que le lleva a un lugar oscuro. La voz de Smith, emocional como pocas, suena más afectada que nunca.

No obstante, de manera inesperada Either/Or termina con una canción optimista. En “Say Yes”, Smith tiene esperanzas de volver con su ex novia, Joanna Bolme, bajista actual de Stephen Malkmus. Spoiler: no volvieron.

La gran pantalla

Tras su salida, Either/Or tuvo una gran acogida de los críticos. Mucha gente se fijó en la música de Smith, entre ella el director de cine Gus Van Sant, que le invitó a aparecer en la banda sonora de Good Will Hunting. Además, Smith compuso una canción original para la película, “Miss Misery”. Al año siguiente, interpretó la canción en directo en la ceremonia de los Premios Oscar. No ganó. La canción de Titanic se llevó el galardón.

La carrera de Elliott Smith acabó de manera tan prematura como su vida. En octubre de 2003, el mundo perdía uno de sus compositores más interesantes, honestos y delicados de la música folk y pop. Elliott Smith murió con solo 34 años y con mucho que contar, sin haber terminado su sexto disco. Pero quien escuche Either/Or lo sabe: el legado que dejó a través del relato de su vida es imborrable.

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Tras el éxito de «Creep» publicado en 1993, Radiohead continuan su carrera como una relativa exitosa banda de rock; pero había algo que a Thom Yorke no le convence. En 1997, sacan «Ok Computer«, un álbum que enamora tanto a la crítica como al público. Radiohead se embarca en una larga gira con numerosas fechas. La continua exposición a la prensa y el ritmo errático expuesto en el documental «Meeting People is Easy» les pasa factura mental, sobre todo a Yorke.

Sin embargo, Radiohead vuelven al estudio al poco tiempo. Las ideas y canciones siguen fluyendo. Ed O’Brien, uno de los dos guitarristas de Radiohead, empieza a llevar un diario en el que relata sus impresiones desde el estudio. Estas sesiones son en las que trabajan tanto las canciones de «Kid A» (2000) como los temas que terminan formando parte de «Amnesiac» (2001).

Gracias al diario online de Ed O’Brien, sabemos que en el estudio hay una lucha constante entre un sonido electrónico contra otro más rock. Finalmente, «Kid A» contiene los temas más electrónicos de Radiohead en la totalidad del disco. Por otro lado, el sonido de Amnesiac no es tan homogéneo como el de su hermano mayor.

«Amnesiac» se llama así por una creencia gnóstica de que cuando se nace, se olvida de dónde se viene para lidiar con el trauma de llegar a la vida, según explica el vocalista y compositor. Esta curiosidad es importante para comprender el álbum temáticamente.

«After years of waiting, nothing came» es la primera línea que estrena el disco. «Packt Like Sardines In A Crushd Tin Box» ya puede dar una idea del lado experimental del LP. Con un ritmo y letra repetitivas, este tema da paso a «Pyramid Song«, una de las canciones más cautivadoras del álbum y de Radiohead en general, por su temática (la muerte y el Más Allá) recurrente en este álbum y por la curiosa instrumentación que al igual que en la primera canción, está presente en «Amnesiac» constantemente.

La manipulación de la voz del cantante Thom Yorke también es una característica relevante, como se puede escuchar en «Pulk/Pull Revolving Doors«. Volvemos a un tema basado en piano con «You And Whose Army?«, que termina en un final épico.

Sin duda la canción más electrorock del disco es «I Might Be Wrong«, seguida por «Knives Out«, el segundo single de «Amnesiac» (el primero fue «Pyramid Song«) que fue acompañado de un videoclip dirigido por Michel Gondry. La letra de esta canción llama la atención por su imaginería caníbal en contraste con ser una de las canciones más melódicas de «Amnesiac«.

«Morning Bell/Amnesiac» sigue con la temática de violencia. Esta es otra versión del tema «Morning Bell» que aparece en «Kid A«. Recuerda a varias canciones que saldrían en el siguiente disco «Hail To The Thief» (2003). Le sigue «Dollars And Cents» que justo parece reminiscente de «Ok Computer«.

La única canción completamente instrumental del álbum es «Hunting Bears», basada en una guitarra eléctrica. Este tema sirve como puente entre la anterior canción y la siguiente, «Like Spinning Plates» otra canción de crítica político-social y de caracter oscuro.

«Life In A Glasshouse» es la encargada de cerrar el disco. Yorke habla aquí de la cultura del «linchamiento», de cómo es vivir expuesto de cara al público. Todo envuelto en un envolvente ambiente jazz sorprendente para una banda como Radiohead, pero que consigue finalizar «Amnesiac» de una manera tan espectacular que quizás sea uno de los mejores temas que ha tenido la banda de terminar un álbum.

«Amnesiac» ha sido muchas veces eclipsado por la novedad de «Kid A«. Si a algunas personas aquel disco ya les resultaba poco accesible, «Amnesiac» no se hace mucho más sencillo. Las temáticas de las canciones son pesimistas y tétricas, pero sin embargo, en algunas se intuye un optimismo que no se encuentra en el trabajo anterior catastrofista. «Amnesiac» es un viaje que nos habla de injusticia, de muerte, de violencia, de paz…envuelto en una atmósfera onírica. Es un renacer en vida.

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En 1996, la banda británica Placebo publican su primer LP. El álbum debut homónimo alcanza la fama gracias al single «Nancy Boy». Diez años más tarde, llega su quinto disco. «Meds» (2006) publicado el 13 de marzo, pero las canciones ya se habían filtrado semanas antes en Internet.

Al entrar al estudio en 2005, la idea de la banda era experimentar con la electrónica. Sin embargo, el productor Dimitri Tikovoï tenía otras ideas: les dijo que volver a sus orígenes era lo mejor que podían hacer. «Meds» parece ser la unión de las dos cosas.

¿Qué esperar de un disco con ese título, que también da nombre a una canción? Las drogas, incluída la medicación de tratamientos, forman una parte esencial de este álbum. Alison Mosshart es la primera colaboración de las dos del LP. El dueto con la cantante de The Kills es uno de los temas más conocidos del disco y fue el cuarto y último single de «Meds«.

«Infra-Red» también fue sacada como sencillo y quizá sea una de las canciones más pegadizas de Placebo. La canción trata sobre la venganza; más que eso es una amenaza en toda regla. ¿A quién? No se especifica, así que cada cual es libre de volcar sus frustaciones ahí.

Lo que podría ser una canción de amor y admiración se convierte en autocrítica en «Drag«. Con una letra llena de paralelismos hechos para ensalzar una figura y dejarse así mismo en evidencia. Más oscura y envuelta en figuras retóricas es «Space Monkey«, cuyo título encubre una práctica peligrosa que dejamos a discrección del lector si buscar su significado o no. En resumen: es una canción sobre sexo y violencia.

«Follow the Cops Back Home» suena exactamente como lo haría una persona ebria cuando habla de cosas irreventes que hacer una noche de desfase. También explícita sin decir muchas palabras es «Post Blue«, un tema sobre adicciones que probablemente sea el que mejor encapsule el contenido de todo el álbum junto con la siguiente canción. «Because I Want You To» fue el primer sencillo de «Meds» en Reino Unido. Le sigue «Blind» por la misma senda. Molko/el narrador sabe que no puede continuar con ese estilo de vida destructivo.

Cuando parece que se atisbaba un minúsculo atisbo de esperanza, llega «Pierrot the Clown«. Una canción sobre una relación abusiva con drogas y violencia implicadas. Tras esta, llega el segundo y final dueto del álbum con la colaboración de Michael Stipe, cantante de R.E.M. «Broken Promise» es un diálogo directo y agresivo entre dos personas, una de ellas que ha decepcionado a la otra.

«One of a Kind» explora el tema de la soledad al sentir que nadie puede entender al narrador. Todo esto con un alto nivel de autoconciencia. La penúltima canción, «In the Cold Light of Morning«, Molko suena como Leonard Cohen mientras retrata una situación de descontrol que se intenta justificar con que mañana será otro día para cambiar.

El disco cierra con «Song to Say Goodbye«, otro single que es una carta de Brian Molko hacia él mismo. Sabe que si no cambia su estilo de vida, terminará quitándosela.

«Meds» es un álbum no sólo sobre la adicción, sino también sobre lo complicado que es salir de una y los altos y bajos que se viven cuando se es dependiente de sustancias. El cantante de Placebo dijo en varias entrevistas que son letras en parte autobiográficas. Afortunadamente, Brian Molko pudo reconducir su vida y no nos dijo adiós; pero nos dejó un disco oscuro, con letras en ocasiones confesionales y en otras, algo más ambiguas.

En 2007, un año después del lanzamiento del disco, el batería Steve Hewitt abandona la banda. Molko y el bajista/guitarrista Stefan Olsdal, los fundadores originales, continuarán creando música como Placebo. A 2021, parece que un octavo álbum de estudio está cerca (según el manager de la banda).

Este álbum queda como testamento de una época oscura, con una atmósfera especial que le otorga una cohesión sin precedentes en la carrera de Placebo, y que no se volvió a ver en lanzamientos posteriores. Tras 15 años, «Meds» suena actual y escalofriante en ocasiones. Puede que de ahí provenga la necesidad de rescatar este olvidado disco por su decimoquinto aniversario.

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A comienzos de la década de los noventa, aparece una figura rockera, femenina e incluso intimidante en la forma de PJ Harvey, una joven británica que comenzó la andadura musical bajo ese nombre junto a dos colegas músicos. Sin embargo, poco después de sacar su segundo álbum «Rid of Me» (1993), Polly Jean se queda sola, algo que no importa porque su presencia se sostiene por sí sola.

Los siguientes discos de PJ Harvey gozan de la buena acogida de los críticos y del público. Su estilo evoluciona desde el indie rock de «To Bring You My Love» (1995) hasta el fantasmagórico «White Chalk» (2007) a finales de la primera década del milenio. Después de este último LP, Harvey volverá a sorprender el 14 de febrero de 2011 con «Let England Shake«, su octavo disco de estudio.
En la escucha inicial, alguien que siga la trayectoria de PJ Harvey se encontrará con novedades. La primera: el cambio de tono en su voz, mucho más grave que de costumbre. La segunda: los temas de las letras cambian hacia una vertiente político-social que Harvey apenas había tocado en su carrera. De hecho, Harvey escribió antes las letras que las melodías.

No obstante, la melancolía de sus trabajos previos no desaparece, sino que se integra en estas nuevas composiciones que hablan sobre su país, Inglaterra y sobre todo, sobre la guerra. En esta ocasión, Harvey está acompañada de colaboradores habituales como Mick Harvey y John Parish.

El álbum comienza con el tema homónimo y «The Last Living Rose«. Ambas canciones hablan sobre cómo el estado actual del país desde el punto de vista de un nacionalista. Se centran en la idea de una nación y no en la gente que la habita. Parece que Inglaterra no está en sus mejores momentos, y en parte la culpa es de otros, como Europa. El Brexit ya se veía venir.

«The Glorious Land” comienza a hablar de manera más específica sobre el aspecto bélico que continuará durante el disco. “The Words That Maketh Murder”, «All and Everyone» y «On Battleship Hill» se cuentan desde la perspectiva de un soldado, estas dos últimas particularmente hacen referencia a la batalla de Galípoli, que tuvo lugar durante la Primera Guerra Mundial.

La segunda parte del disco empieza con una canción llamada «England», una oda de Polly Jean hacia su patria, con un toque agridulce como ya es de costumbre. Curiosamente, utiliza el sample de un tema de un artista kurdo, Kasseem Miro.

Tras este breve descanso, Harvey vuelve a la guerra con «In the Dark Places«, en la que critica la inutilidad de estos conflictos. Aún más duras son «Bitter Branches» y «Hanging in The Wire«, dos canciones que parecen ir de la mano y contar una historia: primera parte de camino a la contienda y segunda ya en las trincheras donde mueren los soldados que antes se despedían de sus esposas.

Si las letras se estaban tornando descriptivas de la violencia, nada prepara para la que quizá sea una de las canciones más brillantes del repertorio. «Written on the Forehead» está formada por detalles realistas y acompañada de un sample de un tema reggae de 1971, «Blood and Fire» de Niney the Observer.

Finalmente, «The Colour of the Earth» cierra el álbum con otro tema sobre Galípoli. Es cantada por Mick Harvey, uno de los mayores colaboradores de Nick Cave y también de PJ Harvey. Terminar el disco con una canción sobre la historia de un amigo soldado que muere en batalla resume «Let England Shake«. Tras mostrarnos el horror de la guerra, se nos cuenta una historia más personal e igual de triste que todo el álbum.

«Let England Shake» manifestó al mundo el talento de PJ Harvey más allá de su interesante mundo interior. Cómo hace diez años fue capaz de mostrar las penurias de los conflictos bélicos en 40 minutos, que se dejan escuchar de manera amena incluso si no se entendiese de qué habla Harvey en sus canciones. Sin embargo, eso conllevaría perder todo lo que significa el disco y por qué cambió la carrera de Polly Jean Harvey para siempre.

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Dos amigos de la infancia se unen para tocar canciones folk. Una de ellas les llevó a firmar un contrato con el que empezaron a publicar música con Columbia Records. El nombre de su segundo álbum de estudio, “Sounds of Silence” (1966), es un recordatorio de su primer, y quizás, mayor éxito. En nuestra primera revieja, dejamos que nos envuelvan los sonidos del silencio.

Según a qué sesgo generacional se pregunte, Simon & Garfunkel pueden significar varias cosas. El primer contacto para una milenial cuyos padres no escuchaban música en casa, consistió en escuchar en la radio sus temas. En especial, una melodía cautivadora e incluso oscura que lleva como título “The sound of silence”.

Para otros, esa canción forma parte de El Graduado (1967), una película protagonizada por Dustin Hoffman. La cinta empieza y termina con “The Sound of Silence”, tema que el director Mike Nichols escogió expresamente para el largometraje, cuya banda sonora fue compuesta por Paul Simon, la mitad del dúo.

Un elemento esencial de la dinámica de Simon & Garfunkel recaía en el asunto de la composición. Paul Simon era el encargado de ese aspecto en la mayoría de la música del grupo. Todas las canciones de “Sounds of Silence” (menos una excepción) están firmadas por él y su guitarra. Art Garfunkel le acompañaba con su voz de tenor. Un trabajo melódico que contribuye de manera esencial al encanto del dúo.

Así pues, Sounds of Silence abre con los versos “Hello darkness, my old friend…”. Una versión de «The Sound of Silence» con más arreglos que la original acústica. Las novedades solo la hacen más desoladora y encantadora si cabe. Lo terrible del silencio y la soledad que lleva a la ignorancia y la desinformación en la sociedad.

Le sigue «Leaves That Are Green», una canción en la que predominan acordes mayores mientras Paul y Art cantan una letra melancólica sobre el paso del tiempo. “Blessed” habla de la desesperación y de sentirse abandonado por Dios. En su obra, Simon utiliza constantemente referencias bíblicas, además de a su ciudad, Nueva York. Como hijo de judíos criado en Queens, estas dos ideas aparecen en varias de sus composiciones.

“Kathy’s song” es una simple canción de amor acompañada tan solo de una guitarra acústica. El ritmo se acelera con “Somewhere they can’t find me”, que recuerda a su primer álbum “Wednesday Morning, 3 A.M” (1964). El primer lado del disco (sí, antes funcionaban así) lo cierra la instrumental «Anji«, compuesta en 1961 por Davey Graham, uno de los guitarristas de folk más importantes de la década de los sesenta.

El segundo lado del álbum comienza con una rendición al poema de Edwin Arlington Robinson, “Richard Cory”, que trata sobre la explotación laboral y las diferencias sociales. Otra historia de terceros, esta vez escrita por Simon, “A Most Peculiar Man”, inspirada por una noticia que leyó en el periódico cuando vivía en Inglaterra. Con esta van dos canciones sobre suicidas seguidas.

La nostalgia vuelve en forma de “April Come She Will”, un tema corto que es uno de los más conocidos del dúo. “We’ve Got a Groovy Thing Goin” es la continuación de “Anji”. Simon convierte la canción en una solicitud de piedad hacia un interés romántico.

El disco termina con “I Am a Rock”. La soledad tranquila e idílica, pero una soledad forzada por el daño que los demás provocan. Un aislamiento hacia todo el mundo para protegerse del sufrimiento.

Han pasado 55 años de la publicación de “Sounds of Silence” el 17 de enero de 1966. El disco es uno de los mayores clásicos de la historia de la música. Aunque por él hayan pasado décadas y la música haya tirado por derroteros más adornados, es indudable que hay algo especial en la sencillez de Simon & Garfunkel. El tiempo pasa, sí; pero la soledad, la nostalgia, el amor y el desamor son sempiternos para el ser humano.

Ya sea a través de memes o de versiones, Simon & Garfunkel han permanecido en la cultura pop, como rocas. Generación tras generación. Al encontrar algunos de sus vinilos en la colección olvidada de casa de mi padre, creí que el silencio del que tanto cantaban desaparecía al menos un poco, al menos por unos instantes.

La revieja solo acaba de empezar, ¿Quieres que reseñemos discos con algo de polvo en tu cajón? te leemos en comentarios y en indiehache@gmail.com

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